VIVIR DE NOCHE (2016)

Que el Affleck director es una promesa cinematográfica nadie la dudaba ya tras su opera prima Adiós Pequeña y su siguiente éxito hasta llegar a su oscarizada y mejor película Argo, pasando por la más que aceptable The Town. Así que el esperadísimo nuevo trabajo, tras conseguir el Oscar a Mejor Película en 2012, por fin llega envuelta del mismo halo de clasicismo que imprime en todas ellas, donde los planos están muy cuidados y algunos son perfectas notas de estilo que intentan emular de los grandes títulos clásicos como los que vienen a la mente Los Violentos Años Veinte (1939) o incluso la más reciente serie producida por Martin Scorsese Boardwalk Empire, ya que la cinta nos sitúa en el ámbito de la famosa Ley Seca de los Años 20 donde las mafias y los gánsters campaban a sus anchas con la comicidad y complicidad de los altos cargos de la política y las comisarias. 

Su arranque es bastante aceptable remarcando esos aspectos 
neoclásicos pero lejos del neonoir al que pretender acercarse puesto que el problema viene en el desarrollo de la trama, siendo un verdadero pastiche de ideas mal ensambladas, donde se mezclan varios géneros e historias que descolocan y provocan la perdida de atención, no viendo un objetivo claro y definido desde un inicio.

El reparto es sublime aunque no se le saca el provecho que debería siendo demasiado presente el afán de Affleck y su cara pan (de molde) con su omnipresente presencia quitandole credibilidad y fuerza al relato, no sabes si estas viendo a Joe Coughlin o al Bruce Wayne de la poco interesante saga Batman y cia., sus gestos y muecas son idénticas, en cualquier momento pensé que saltaba de uno de esos coches antiguos el hombre murciélago y su capa empuñando una metralleta. En cambio los secundarios, que los hay y con bastante poco papel, son un lujo desde Cris Cooper (American Beauty, El Ladrón de Orquideas) con el personaje quizás más sombrío pero poco profundo, al irlandés Brendan Gleason (Escondidos en Brujas) o el italiano Remo Girone completamente desconocido para el público pero que hace una perfecta recreación del típico gánster de película junto al otro inglés igualmente poco conocido Robert Glenister, conformando la banda de perversos y maleantes del film.

En el apartado de chicas, la siempre agradecida y camaleónica Sienna Miller (El Francotirador) en el papel clave de la cinta pero con cero desarrollo, una abnegada y exótica esposa encarnada por Zoe Saldana (Guardianes de la Galaxia, Star Trek) cuyo destino también es parte de lo más interesante de la trama junto a la sorpresa para mi de esta cinta, Elle Fanning (The Neon Demon, Young Ones) con uno de los rostros más dulces y perturbadores de la actualidad, encarnando a una mística predicadora evangelista que bien recuerda también a la Jean Simmons, Oscar incluido, de El Fuego y la Palabra (1960) y que también guarda un oscuro secreto, siendo las mujeres las portadoras del peso de la historia puesto que el plano y lineal de Affleck acaba aburriendo hasta a las vacas.

¿Cosas positivas?, que es un director que si se lo propone acierta y da en el clavo siendo el sustituto natural del ya veterano y admirado Clint Eastwood. ¿Que le sobra? pues mirarse menos el ombligo, dejar el ego de actor y trabajar más en los guiones y el desarrollo narrativo, o simplemente como Woody Allen hace en ocasiones, dejar de ser el protagonista y centrarse solamente en dirigir.

La música ayuda, como no, a hacer más fácil el visionado, destacando este tema de lo más bello del irlandés Hozier, muy conocido por el tema "Take me to Church" https://youtu.be/PVjiKRfKpPI  saltando a la fama y encabezando listas Billboard y muchos premios, lanzándose aquí al terreno cinematográfico con este tema muy evocador como su gran éxito antes mencionado. Nada disfrutadlo...

NOTA PERSONAL : 6 *** INTERESANTE

SILENCIO (2016)

Y llegó, ahora si, la esperada, la amada, la ultima de mi director favorito, uno de los mejores directores de la Historia pero antes debo decir que yo con solo los primeros minutos de una película ya se si me va a gustar o no, intuyo, no me digáis el por qué pero se de sobra si la cinta me va a atrapar o no con solo esos segundos y esta amigos lo hizo, solo la primera imagen ya me hipnotizó, me ocurrió lo mismo con una de sus mejores películas y para mi la mejor, Toro Salvaje, solo los primeros acordes de la Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni y un De Niro a cámara lenta danzando sobre el ring con esa atmósfera turbia y espesa ya dije: diooosss!!!, esto es algo grande!! y tanto que lo fue. Pues aquí me paso exactamente lo mismo con los vapores de los lagos sulfúricos donde son llevados los misioneros portugueses, ya se vislumbra que estamos ante una obra magna. Tan solo los 20 minutos iniciales tienen más Cine y profesión que todas las cintas que se estrenen este año. La capacidad del genio de Scorsese te mete de lleno en una historia a priori ya vista y poco atrayente pero con sus planos y su particular narrativa hace que te interese al minuto la historia de estos hombres de fe que sacrificaron todo por un ideal en el que creían.

Que Scorsese es un grande no hay duda y que se alimenta de los clásicos que vio desde pequeño debido a esa enfermedad que gratamente compartimos, forjándose la leyenda que ahora es y es facilmente visible que una de sus películas favoritas está presente con cada fotograma o en cualquier plano secuencia que utiliza, no es otra que la obra de uno de sus admirados Michael Powell, amigo personal y esposo de su amiga y fiel montadora, la incomparable Thelma Schoonmaker, artífice de muchas de sus mejores obras. La obra en cuestión en Narciso Negro (1947) y no es de extrañar puesto que la cinta que protagoniza la gran Deborah Kerr cuenta una historia con un marco similar, un grupo de monjas olvidadas en un templo hospital en el Himalaya, donde las dificultades económicas y la sexualidad reprimida de las monjitas hacen de esta cinta todo un clásico por derecho. Por eso mismo, Scorsese se nutre de su bagaje cinematográfico para que en cada recreación del lugar parece que estar presente dicha obra. Otra referencia más es sin duda, dado que estamos en el Japón feudal del s. XVII la de otro de sus referentes, el maestro Kurosawa cuya presencia está en cada detalle de la cinta y en concreto, aunque no se trate de un remake creo al uso, la referencia a una cinta del 72 japonesa que guarda en común la adaptación de la novela de Shusaku Endo y que estuvo nominada a mejor película en el Festival de Cannes.

Mucho se le achaca a la cinta del italoamericano del fuerte sentido que la película tiene sobre la religión, independientemente de la ideología que se tenga, Silencio más que de religión y fanatismos que los hay y simbología muy presente, tratada con un amor tal que más que de eso trata de humanismo y humanidad, de ver como unas personas abandonadas a su suerte en un terreno inhóspito son capaces de sacrificarse por recibir o dar esa paz interior que ansía el hombre repleto de dudas y que hace reconfortar el alma, algo que pese a las posturas personales de cada cual ante este tema, es de agradecer con el cariño con la que es tratado conmoviendo al más ateo o agnóstico, que podría ser mi caso, llegando a conectar de tal forma con lo que nos cuenta que como digo es de agradecer y honrar la calidad de este gran maestro que es Scorsese.

Muy diferente al caso el de la cinta de Gibson que es totalmente panfletaria y que produce cierto sarpullido incluso llegando a incomodar, así que le diría al Sr. Gibson que aprendiera sutileza y profesión del genio y dejara de explotar cuerpos a mansalva para ocultar sus algo caducas obsoletas ideas. Incluso le diría también al Sr. Villeneuve, sin venir mucho al caso por temática pero si por la inminente inclusión o no de los nombrados en los Oscar, que también aprendiera a ordenar ideas y a mostrarlas como un veterano lo hace y no hablo de su filmo que me llevaría hasta el fin de los tiempos, solo con esta cinta tengo suficiente, cualquier escena de Silencio vale 1000 Arrivals...pero como digo el postureo y las modas hacen mucho en esto de los Oscar.

Otra polémica que suscita su duración y ritmo, para mi personalmente no sobra nada ni un segundo, es necesario ver la trayectoria de los personajes para entender al historia y en cuanto al ritmo en ningún momento decae, si no hay acción, pero es que no la necesita, posiblemente a muchos aburra la técnica que emplea para mi una de mis favoritas y que suele utilizar en muchas ocasiones el amigo Marty y es el empleo de la voz en off que para mi le añade épica al relato y gran interés por seguirlo, pero bueno igual yo soy el raro. Y algo que hace muy bien y es una constante en su filmografía es el ofrecerte las armas o instrumentos para plantearte una duda que tu deberás decidir en que lado te posicionas, no juzga sino que instruye, haciendote poner en marcha eso que a veces empleamos poco y que al mismo tiempo te conecta con el corazón haciendo un coctel explosivo, hablo del cerebro y en esta en particular pone la fe como cuestionante si es buena o no si realmente las personas deberíamos ser más humanos o dogmas de fe, podrías decantarte por una u otra pero tu decides siempre, yo lo tengo claro. En otras de sus obras hace lo mismo, en Taxi Driver tu decides si Travis es un sociopata o un héroe que una sociedad podrida necesita para limpiar las calles de gentuza. Y así podría seguir hasta no cansarme nunca amigos...Para mi también perfecto esa lucha entre razón y fe que me fascina ofreciendo como digo ambos puntos de vista de los cuales a veces va a ser difícil discernir entre ambos, mundos muy distintos y de tradiciones ancestrales opuestas, maravilla.

En el apartado interpretativo, su profesionalidad esta sin duda presente ya que el anteriormente conocido como "papa frita" Gardfield, aquí ofrece una sentida y conmovedora interpretación que merece ser reconocida y que no conseguirá por la excesiva cinta de Gibson cuya vistosidad es un factor clave y le restará votos ante esta pero sin duda los estados emocionales por los que pasa su personaje son tan impactantes que realmente es una de las mejores interpretaciones del año, donde el resto del cast esta muy bien pero sin duda él es el alma de la cinta y sobre el que recae todo el peso. Supongo que el papel iría destinado para Di Caprio ya que es la 1ª no colaboración desde el 2002 y van 6 hasta la fecha, quizás por la exigencia descomunal de su anterior papel por el que consiguió el Oscar, El Renacido.

Terminamos este silencio, rompiendolo, donde nunca antes un silencio tuvo más dolor y donde nunca antes se sintió tan fuerte ya que sus silencios son pura poesía críptica, con su trepidante BSO compuesta por el matrimonio Kluge con apenas repercusión en sus carreras siendo este su más importante trabajo. Sentid el CINE...GRACIAS MARTY.

NOTA PERSONAL : 9 **** EXCELENTE

FIGURAS OCULTAS (2016)

No es casualidad que tras unos Oscars los del año pasado tan polémicos por aquello que llamaron #Oscarsowhite tengamos este año la cartelera plagada de títulos que incluso coinciden en la linea temporal argumental y que abordan el racismo desde diferentes prismas. Esta vez es el turno de un drama coloreado de comedia en el que unas mujeres afroamericanas lucharon por poner su nombre en la Historia de América en lo que se refiere a la entonces vitalisma carrera espacial.

La cinta comienza algo tibia pero graciosa como si de un Criadas y Señoras se tratara, encontrando varias similitudes ya que en lugar de criadas son trabajadoras de la NASA cuya exclusión iba desde un simple café hasta un baño de señoras y los poderosos jefes y resto de trabajadores blancos, alimentando esta discriminación, resultando ser en ocasión hasta divertido pero al mismo tiempo bastante humillante. A partir de ahí, la película cobra mayor interés para mi centrándose ya en lo que es la resolución de la trama, el lanzamiento de la nave "Amistad 7" y su piloto John Glenn, el primero en orbitar sobre la Tierra en 3 ocasiones y que como nota curiosa es el personaje que Ed Harris interpretó en la cinta Elegidos para la Gloria (1983). 

En ese tramo es cuando la cinta se nota más adulta e interesante, en la progresión de los personajes y la superación de estas 3 mujeres que consiguieron logros jamas vistos tanto por su raza como en su género, creando un clima de tensión perfectamente dirigido en su escena final. Funciona como un titulo clásico de esos que hacen tanta falta y que muchos olvidan, siendo este tipo de Cine el que más éxitos y alegrías han dado, esta muy bien el arte y ensayo y lo indie como enriquecimiento personal pero no hay nada más placentero que desconectar con un tipo de cine así, sin pretensiones nada más que las de contar una bonita historia con exquisita profesionalidad.

Su guión esta muy bien elaborado, no se hace pesado y tiene diálogos inteligentes con dosis de ironía y sarcasmo, bastante ágil y a la vez aleccionador ya que cuenta una historia real en la que los aspectos espaciales cobran gran importancia junto a los matemáticos y a quien le apasione el tema disfrutará bastante y al que no tranquilos porque no es una tesis doctoral. No sería extraño que la viéramos tanto en Guión Adaptado incluso en película en los próximos Oscar al igual que sus protagonistas, posiblemente se cuele alguna.

Para mi de ellas, la que más destaca es Janelle Moane una debutante que este año ya esta en una de las películas más importantes, Moonlight y que para mi ofrece la mejor actuación por lo atractivo de su personaje y que junto a la más protagonica una Taraji P. Henson, brutal en la serie Empire, algo sobreactuada y gesticulada en exceso, conociéndola nada nuevo, se termina por empatizar con su personaje que finalmente es una maravilla su papel, consiguen una excelente composición que para terminar completa la que suena más a nominación y que a mi realmente no me parece para tanto aunque si es una serena y controlada actuación la de Octavia Spencer, siendo esta la menos espectacular y más secundaria, demasiado quizás. 

A este trio de mujeres se une otra delicia y es Kristen Dunst como la bella de rostro impenetrable supervisora de las mujeres negras del departamento de contación, que si bien aparece poco, su presencia es de lo más gratificante, inmóvil y perfecta. A ellas se les unen los machos alfa del grupo y son nada más y nada menos que un recuperado Kevin Costner que brinda una de las interpretaciones más completas en años, tampoco lo tenia muy difícil, pero bueno es un placer verlo como gran jefe de toda esta hazaña, recordando un poco a su gran papel en JFK por similitud de épocas. Y por ultimo el guiño cómico que aporta Jim Parsons, nuestro Sheldon particular, que si bien tampoco es el personajazo de la serie si es un contrapunto ácido a nuestra protagonista, sus caras y miradas son impagables. Así que no dudéis en pasar un rato divertido y entretenido con esta cinta que empieza de forma silenciosa y termina robándote un poco el corazón, no os arrepentiréis.

El alemán Hans Zimmer (Gladiator, Intestellar) firma la BSO con una épica magnífica que engrandece la trama con las notas Swing que aporta Pharrell Williams consiguen una perfecta combinación redondeando el producto. Aquí uno de los muchos y divertidos temas del cantante y compositor que ya nos hizo bailar a todo el mundo con su "Happy", cargados de R&B y Soul: 

NOTA PERSONAL: 7 *** BUENA

LOVING (2016)

Loving habla sobre el AMOR y no podía ser más casual el apellido de los protagonistas, el matrimonio Loving que afronta toda adversidad con su mejor arma, su amor eterno y poderoso capaz de superar mil y un obstáculos sin perder esa unión entre ellos, con las dudas normales y temores pero tratados de forma tan sutil que solo podemos ver una elegancia en la sumisión de estas dos personas, cada uno de una raza, que decidieron unir sus almas y amarse sin condición ni barrera alguna, aunque la sociedad de la época, la americana de 1958, les pondría a prueba sin dejarles aliento alguno.

El director encargado de relatar estos hechos reales es Jeff Nichols que ya estrenó este año una de las mejores cintas del año para mi, un relato fantástico muy cercano al primigenio Spielberg, Midnight Special, también del mismo protagonista que esta pero allí con un papel más secundario y que dejó maravillado a muchos pese a estar ya olvidada en los premios. No es casual que el nombre del Rey Midas sobrevuele aquí también, ya que su manera de narrar es muy parecida, un corte clásico y sobrio que recuerda algo a El Color Púrpura pero quitado de todo efectismo y contado de manera más neutra pero contundente, cosa que todavía nos duele más.

La tranquilidad con que se presentan los hechos hace que este drama se te clave dentro, evitando todo tópico del gçenero sobre racismo, nos ofrece una nueva visión, nada fácil, convirtiéndose en un drama sobre la humillación, el sometimiento y la deshumanización de las personas en un entorno muy hostil durante unos momentos convulsos en plena situación contra el racismo, donde Martin Luther King encabezó la famosa manifestación junto a millones de personas en el monumento Lincoln en Washington.

Los protagonistas, en estado de gracia, consiguen unas introspectivas actuaciones, en especial Ruth Neggan, soberbias sus miradas y su frustrante resignación consiguiendo finalmente salir triunfante de esta batalla gracias a su perseverancia e intuición femenina. Tenia mis dudas en un principio con ella, siendo la que más lejos veía de una nominación y aunque los SAG (Sindicato de Actores) la dejó fuera en favor de la chica del tren, Emily Blunt, creo que podría estar entre las 5 mejores de este año gracias al apoyo afroamericano y a la doble moral americana, siendo el año pasado la polémica de los #oscarsowhite, la presencia de color será unánime en las 4 categorías interpretativas de este año. Soberbia es su actuación pero también lo es la de su pareja el australiano Joel Edgerton que ofrece un catalogo de estremecedores silencios y expresiones, quizás muy planas pero que encierran una gran humanidad aunque se simpatice más con ella ya que su pasividad llega a producir rabia en el espectador al no revelarse e ir en contra de lo establecido en boga del amor tan fuerte que sienten un blanco medio cherokee y una negra mestiza en el condado de Columbia durante la década de los 60´s.

La cinta también se convierte en drama judicial en la segunda parte ya que un abogado, gracias a una foto para Time que les hace un Michael Shannon, habitual en la filmo de Nichols, en un papel corto, consigue que un abogado blanco del estado de Virginia se interese por el caso y haciendose notar entre tanto racismo y desprecio de sus habitantes, focalizado en especial con esta pareja. 

Pero lo que engrandece a la cinta es su sutilidad en contar algo tan crudo sin aspavientos típicos ni sensacionalismos baratos. Nichols esta convirtiéndose en un director a tener en cuenta muy formal cada vez más clásico pero sin perder ese aire independiente llegando a más público, aunque quizás enemistando a los más eruditos y modernos.

Despidásmonos con música y buena en este caso el tema homónimo "Loving" compuesto por el músico David Wingo habitual en los films de Nichols: Take Shelter (2011), Mud (2012) y Midnight Special (2016). Bonita y muy country aparece en los títulos de crédito finales muy especiales, para no perdérselos.

NOTA PERSONAL: 7,5 *** BUENA

LA LLEGADA (2016)

Y llegó La Llegada y con ella la decepción, si bien era una de mis esperadas del año junto a La La Land y Silencio de Scorsese, la decepción llega tras su visionado en cuanto a la simplificación de una trama que vende a priori como misteriosa e inquietante, difícil de seguir por la tediosidad de los acontecimientos, llegando a un punto de no retorno para convertirse en un panfleto humanoide salva civilizaciones de lo más pueril con un final made in Hollywood tirando por el suelo el desarrollo inicial de esa interesante descodificación de los signos alienigenas. Sin duda, es la antítesis y el anticlímax de lo que La La Land ofrece nos ofrece, para mi, el verdadero Cine y la esencia de eso que tanto amamos, ilusionar frente a la decepción.

Su director que para muchos es un semidiós, a mi me parece de lo más pretencioso, creando una atmósfera muy atrayente para desinflarse y perderse en lo básico la narración, te da pero al mismo tiempo te quita el doble. Para algunos esta es una cinta que hace pensar pero que a mi no me planteo ninguna duda, importándome muy poco la humanidad, su fúturo o el de su protagonista o sus circunstancias. Pese a recordar levemente su apariencia (Aliens vs. Arañas imaginarias) con Enemy, su mejor película para mi, tan ambigua y misteriosa que esa si me hace pensar e incluso cuando termina sigues pensado en ella, todo lo contrario que esta, ya que no tengo el más mínimo interés en intentar averiguar.

Su final me descolocó tanto y me sacó de toda intención por agradarme que vi en una acelerada resolución el intento de emular la esencia de la maravillosa obra de Malick y su oda a la vida en El Árbol de la Vida, tanto narrativa como visualmente, una versión de mercadillo de la misma que acabó con todas mis esperanzas de salvarse de la hecatombe . Creo que también intenta marcarse un Señales de Shyamalan pero le sale bastante regular el intento, si bien esta cinta es una de las mejores en cuanto a invasión alienigena y en la que si piensas lo suyo, haciendote participe desde el principio hasta el final, con uno de los finales más sorprendentes que he visto y al cual nos tenía acostumbrados el director hindú, al contrario que esta, ya que su carga emocional la justa y disfrazada o más bien empañada, puesto que sus supuestos alegatos no me llegaron...

En cuanto a los actores Amy Adams mi preferida para ganar este año acaba perdida en la traducción la pobre, sus esfuerzos son tantos que su cara de incredulidad y su pasmosa gestualidad la dejan de lo más plana y artificiosa, al igual que sus compañeros el inexistente Renner o el convidado de piedra Whitaker, con mayor expresividad los octópodos alienígenas que ellos mismos, hasta los símbolos de tinta trasmitían mucho más.

Como gran admirador del género, entendido como ciencia ficción pura y no espectáculo, no confundamos términos, me siento defraudado, teniendo grandes títulos en mi haber cinéfilo que distan mucho de esta pseudo trama oculta de justicia poética, ni veo al Kubrick que intentan vender por ningún lado y me aporta mucho más un Intelestelar o Gravity pese a la que más semejanzas encuentro es con la mencionada anteriormente Señales y quizás un cierto aire también al remake de Spielberg La guerra de los mundos, siendo esta su peor obra para mi.

Se y consciente de ello que soy de los pocos que no le ha gustado ya que la cinta tiene críticas magníficas y esta en todos los Tops más importantes del año, incluido el de mejor director, que espero y confío se caiga de la lista de 5 en favor de mi adorado Scorsese, soñar es gratis...

Dejaré con un buen sabor de boca y es la si pertubadora esta BSO del islandés Johann Johannson habitual en la filmo de Villeneuve y que ya nos dejó una excelente partitura en su anterior film, Sicario y aquí vuelve a dar en el clavo ya que sus notas son fundamentales para la dramatización y tensión del resultado final, lo más bello del film sin ninguna duda. Eso si, recomendaros antes, el visionado de Enemy (2013) con un Jake Gyllenhaal de la novela del Novel de Literatura el portugués Jose Saramago, donde si le daréis bien al coco y la fascinación invadirá vuestro cuerpo y mente y no estos animalejos que enseñaron la patita y jamas volvieron.

NOTA PERSONAL: 5,5 ** PASABLE

LA LA LAND (2016)

Su inicio ya es una carta de amor incondicional al Cine, al musical más puro de los años 40-50 con un virtuosismo y una plasticidad en los movimientos de cámara que enamorarán a cualquiera. El primer numero musical es un homenaje a esos musicales del Hollywood Dorado pero actualizado, muchas referencias cinematográficas y un vitalismo vigorizante invaden la escena donde quien ame la vida o este enamorado sentirá brotar dentro de si esa llama que todos ansiamos. Después de esto nada puede ir a peor aunque hay una bajada importante de tono que la hace menos brillante y es justo cuando deja de lado el musical y se centra en el poco pero algo existente dramatismo de la cinta, con un final que no a todos gustará y que puede que ahí este la mágia de La La Land.

Si Hollywood ya se rindió al reconocimiento del cine mudo con The Artist en 2011, ahora se volverá a rendir ante el musical pero más puro y originario. el de Minnelli, Wise, Donnen o Fosse, no al de Broadway que ya alcanzó la cumbre en 2002 con Chicago acababa por resultar cansino para la mayoría por su constante entonación del texto sino a ese que transcurre tal cual como una historia común entre dos personas y en el que un sin fin de personajes secundarios o de figuración de repente empiezan a canturrear una bonita melodía acompañada de un frenético y coreografíado baile en el que la acción no se altera y sigue intacto y reforzado el espíritu del film en cuestión, ese es es el musical que más me gusta, el clásico. Y no, no es un genero menor ni mucho menos, su trayectoria esta llena de historias fantásticas motivadoras incluso algunas decepcionantes o tristes lo que no dejaran a nadie indiferente.

Una historia de dos fracasados, el músico, ella actriz que consiguen superar adversidades gracias al amor casual que va yendo cada día más y más, fortaleciendo su personalidad, ánimo y constancia hasta lograr triunfar. La cinta también nos habla sobre el fracaso personal y profesional, del estancamiento generacional pero al mismo tiempo te da una vía de escape y la formula infinita de "persigue tus sueños" que generalmente suele agotar pero aquí se introduce de manera tan ligera y suave que tan siquiera se nota pudiendo hacer el seguimiento de los dos personajes con más facilidad, si bien su segunda parte pesa un poco ya que desaparecen el tono vitalista del inicio.

Eso si, nada más romántico que la química entre los dos protagonistas en muchas de las escenas, en especial una que para muchos los que amamos el Cine provocará un anhelo y un suspiro infinito, justo en la escena del cine. Tengo que decir que soy pro Ryan Gosling y tenia puestas más esperanzas en su fuerte mirada y eternos silencios, que los tiene, pero en cambio la sorpresa me la llevó con Emma Stone, lánguida y pizpireta a partes iguales consigue transmitirme la energía del film y su vis cómica esta cercana a las grandes actrices de Star System de antaño como lo fueron Katherine Hepburn o la reciente y tristemente fallecida Debbie Reydnolds. No sería de extrañar que consiguiera el Oscar frente a la a priori más favorita Nathalie Portman (Jackie), lo que no creo que pase es que Gosling lo consiga, ya que su papel es más liviano y en frente esta el Affleck Jr. que parece dar una interpretación mucho más dramática en Manchester Frente al Mar, otra de las favoritas de este año.

Plagada de referencias cinematográficas aquí os dejo algunas que yo pillé al verla: Sucedió una noche, Grease, West Side Story, Brigadoon, Sombreo de Copa, Un americano en París, El Guateque, Dos en la Carretera, Casablanca, Rebeldes sin Causa, Vértigo, hasta su propia y triunfante opera prima, la magnífica Whiplash, presente también en muchas de las escenas donde el jazz es protagonista. Flamante ganadora de 7 Globos de Oro, caso único, estableciendo el récord hasta ahora solo conseguido por Alguien Voló sobre el Nido del Cuco (1975) y El Expreso de Medianoche (1978) ambas con 6 GG. Así que no será difícil verla triunfar en la próxima entrega de los Oscars ya que viene siendo la favorita desde el primer día de exhibición de su trailer o la irrupción en el Festival de Toronto o en el de Venecia.

Sin duda su BSO es una de las mejores del año y al igual que pasó con The Artist, es capaz de hacerse un hueco en el corazón y reconocerla al instante en solo los primeros acordes, todo ello gracias a su pegadizo y melancólico tema principal que así reza:

"Es ahora que por fin nuestros sueños se vuelvan realidad"

Leit motiv del film y que no pararás de tararear una vez se meta en tu cabeza y llegando al corazón para darse un paseo por tu alma como estrellas en ese firmamento donde bailan los enamorados. Una canción que seguramente gané el Oscar a mejor canción "City of Stars", aquí os la dejo ya que resume perfectamente su esencia, esto mismo es La La Land...enamórate!!!

NOTA PERSONAL: 9,5 **** EXCELENTE

PASSENGERS (2016)

Su planteamiento es original y su estética perfecta, recordando mucho a las icónicas del género de ciencia ficción como 2001: Una Odisea del Espacio o Gravity en clave del Naufrago de Zemeckis y Hanks en versión espacial. La cinta tiene un comienzo muy intrigante con su protagonista Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia) que despierta del letargo de un largo viaje de hibernación por error y antes de tiempo, a partir de ahí la clave del misterio juega su mejor baza hasta que aparece de manera poco fortuita su otra protagonista, Jennifer Lawrence posíblemente en su peor papel hasta ahora y eso que soy de los pocos o muchos que la defienden, siendo una de las actrices mas estimulantes del panorama actual, cuando quiere, que es la mayoría de veces pero que aquí el director de la magnífica The Imitation Game no ha conseguido sacarle lo que por ejemplo sacó a otra belleza como la de Keira Knightley, mostrandonos todo un catalogo de gestos y muecas raras totalmente histriónicos y sobreactuados, dejando a Pratt como lo mejor de la cinta junto al impasible y poco expresivo robot.

A partir de aquí, es cuando la cinta empieza a decaer con la historia de amor entre ambos demasiado pastelona y edulcorada, olvidando por completo la trama de tensión a la que se enfrentan. Finalmente vuelve a coger el pulso tras una serie de circunstancias bastante obvias y previsibles pero sigue debatiéndose entre la historia de supervivencia y la romantica siendo ambas algo contraproducentes.

La aparición de un tercer personaje no refuerza para nada la trama dejándola en tan secundaria e indispensable que no reviste transcendencia alguna ya que resulta algo pegote y mala ejecución de montaje puesto que no le da apenas recorrido. Finalmente intenta emular a otra de las grandes cintas de ciencia ficción marcándose un particular Gravity lejos de cualquier credibilidad y cero realismo, pese a ser una cinta de ficción cae en los tópicos fantasiosos y juveniles incrementados por la excesiva carga romántica de la historia que finalmente resulta hasta tierna y graciosa.

Tanto la música como la factura visual son correctísimas, siendo casi lo más atractivo. Su BSO viene de la mano de un especialista Thomas Newman, toda una institución ya que es hijo, hermano, sobrino y primo de compositores. Hijo del legendario Alfred Newman con 45 candidaturas a los Oscars, solo por detrás del maestro Williams, su hermano David (Ice Age), su tío Lionel (Hello Dolly!) o el más conocido primo Randy Newman, compositor de la famosa canción "Hay un amigo en mi" (Toy Story) y un sin fin más. Conocido por su excelente BSO para American Beauty (1999) o la más reciente y última nominación para la película de Spielberg, sustituyendo a Williams en El Puente de los Espías. Me recuerda en parte algo a la también maravilla espacial de Pixar Wall-E compuesta por él, en especial este tema...

NOTA PERSONAL: 5,5 ** PASABLE