En la era del remake, secuelas, precuelas y live actions tenía que llegar esta, que ya lo fue en su día, el remake americano de la japonesa del maestro KurosawaLos Siete Samuráis pero claro eran otros tiempos y otra manera de hacer y entender el Cine y detrás de la cámara todo un especialista y maestro John Sturges, tanto en el género (Duelo de Titanes, Fort Bravo) como de los repartos corales (La Gran Evasión, Conspiración de Silencio) sacandolés partido a las grandes estrellas que las conformaban, convirtiéndolas en auténticas obras maestras . El problema no es en sí solo el remake, ya que grandes entre los grandes hicieron sus propios remakes, sino la manera de llevarlos y enfocarlos, en este caso Fuqua, cuya trayectoria no es demasiado boyante y bastante irregular, no sabe aprovechar ninguno de los elementos que le ofrece tanto la obra original como el remake y quiere llegar a todo y no completa nada. Su excesivo metraje no es suficiente para presentar a unos personajes tan ricos y atrayentes como lo son estos ni con tanto carisma como los precedentes, desdibujados y solo meras pinceladas hacen que olvides hasta cuantos son, sabiendo perfectamente que son siete. Apenas logran destacar, por supuesto Denzel Washington, pero podría haber dado mucho más, Chris Patt, por lo atractivo de su personaje y poco más, quizás Sarsgaard como villano pero que tampoco le da el suficiente empaque en presencia que merece, siendo la labor de estos actores doblemente meritoria ante tanta paja que mete el director.
Como fan del género que me considero viendo esta versión del clásico solo puedo pensar que qué grandes son Tarantino y Eastwood por filmar Western actuales con esa maestría que son sus obras tanto Django (2012) como Sin Perdón (1992), solo unos segundos de cualquiera de ellas captan más atención que las 2 horas largas que dura esta. Su principal lastre aparte de la dirección por no saber gestionar los elementos ni ordenarlos, es culpa también del montaje, sin sentido, cortante, lleno de primeros planos que no aguantan más que medio segundo y lo único que hacen es marear al espectador, despistarlo y confundirlo, sacándolo de la historia que por muy Pizzolato que lleve el guión, acaba por ser de lo menos interesante.
Solo destaca, un final demasiado desproporcionado pero que finalmente es lo que deseas ver en un Western sino hay una gran historia detrás y la BSO que cuando esto pasa malo, porque como decía un grande de la ondas radiofónicas, cuando solo te fijas en eso, es que la película es una basura (él empleaba otra palabra más fuerte). Claro es Horner, bueno era, su último trabajo e incompleto pero grandísimo, solo deseaba que sonarán sus notas porque era lo más interesante en el transcurso de la cinta. Una despedida algo menor pero que sin duda lo hace por la puerta grande siendo un gran trabajo.
Muy esperados son siempre los trabajos de la Streep y más por aquellos que seguimos la carrera de los Oscar con gran pasión, concretamente, por saber si entrará en las nominaciones un año más y así incrementar su leyenda, ya que bien es sabido que su nivel interpretativo esta fuera de toda duda pese que a algunos les canse verla siempre ahí, pero si lo está será por algo. Méritos los tiene en esta interpretación, especialmente al inicio quedándote maravillado con su especial gusto y transformación al recrear los personajes y este en concreto, dotandolo de una dulzura un tanto esquizoide que necesita debido a la curiosa enfermedad que padece desde los 18 años. El problema no es de Streep, ella cumple como la prosefional que es, sin discusión, sino que es del guión ya que su personaje apenas evoluciona y mantiene una constante en todo el film que resulta cargante y desagradable en ciertos momentos y más hacia el final, perdiendo todo el encanto inicial, echando por el suelo la gran interpretación que podría haber sido esta. Su tono jocoso y de comedia le restan dramatismo a la historia y la peculiar forma de Frears dista mucho de sus anteriores biopics como lo son la perfección de The Queen, donde si sabe llevar un personaje de tal magnitura o la más conmovedora y anonima historia de Philomena que supo robarnos el corazón a todos. La recreación de los años 40 es magnífica, cuidado todo al detalle con un gusto exquisito pero el desarrollo de la trama de la peor soprano de la historia y su increíble éxito resultan algo plano y grotesco, tan lineal que se vuelve repetitivo, no hay una progresión y dejan al film en algo menor, similar a otro biopic interpretado por Streep, Julie y Julia (2009).
Para mi lo mejor, y no es un actor que me guste especialmente, es Hugh Grant, su mejor papel y con el que si podría conseguir nominación como secundario. Su registro es tan diferente a lo que el suele hacer que sorprende, su flema británica está tan matiza y es tan exquisita que aporta al personaje un cinismo y a la vez una elegancia innata que resuelve con mucha soltura. La replica la da muy acertádamente el actor de The Big Bang Theory, Wolowitz, que si bien es muy divertida en ocasiones cuesta quitarse al personaje a los que seguimos la serie, pero es el nexo perfecto entre Grant y Streep, cogiéndole especial cariño al que fue el pianista de la Sra. Foster. Los secundarios también aportan su granito a la gran estrella llegando a ser también un punto muy a favor, desde una aprovecha señorita de dudosa reputación, hasta la amante del propio Grant junto a los amigos o críticos de la extraña pareja, completando este cuadro variopinto y disfrutable sino fuera por el listón tan alto que ELLA suele tener.
En conclusión, la cinta tiene aciertos y fallos por igual y desencanta a la vez que fascina, en lo que parecía la gran comedia del año llevada de la mano de la grandísima actriz que es Meryl Streep y apoyada por un especialista en biopics como es Frears pero creo que se quedará en el camino de los Globos de Oro y no avance más allá debido a la alta competencia que parece haber este año. Si Philomena no hubiera sido tan buena y nos dejó con el alma en un puño, quizás la cinta resultaría un poco mejor pero habiendo firmado obras de tal calibre al Sr. Stephen Frears yo le exijo mucho más porque se que lo puede dar y con esta no lo consigue. ¿Recomendable? Si, pero no supera los parámetros competibles necesarios. Despedimos pues a la chirriante Sra. Florence Foster con la maravillosa y ensoñadora música de un artesano como es Alexandre Desplat que recrea el HollywoodDorado con sus melodías dotando al producto de contenido, llenando muchos vacíos existentes. Para mi otra de las nominaciones casi seguras.
Su título ya nos lo adelanta SPECIAL, un film tal que así es desde el punto de vista de lo fantástico y a la vez de lo afectivo. La atmósfera que consigue transmitir es tan mágica como misteriosa, poseedora de ese clima de las películas que tanto nos han hecho soñar sobre ciencia ficción hace ya algunos años. Nichols hace un más que sincero y original homenaje al numero uno en esto de crear sueños y despertar la imaginación, sobre un mundo tan desconocido y atrayente como es lo extraterrestre, Steven Spielberg, recordando a sus grandes obras en este género, E.T. y sobretodo para mi su mejor y adulta película Encuentros en la 3ª Fase sobre el tema. Pero la cinta no solo se queda en el simple homenaje, que dista mucho de poner una peluca, unas bicicletas y unos niños algo insoportables, su homenaje es lo que realmente debe hacer un gran director, y es tomar la idea, transformarla y dotarla de su propio estilo y Nichols tiene en la cabeza a Spielberg pero dándole ese aire "indie" particular en su filmografía que Spielberg quizás no pueda dar y todos sabes el por qué, estando a mitad camino entre lo comercial y lo artístico, combinandolo de forma perfecta, donde hay momentos para la reflexión y otros donde la mágia aparece para el disfrute de los que amamos el Cine de los 80s y aquello que nos ofrecío, dejandonos a todos ojipláticos y boquiabiertos, viviendo esas maravillosas aventuras sin igual.
La historia tiene partes de misterio, incluso terror, jugando con lo desconocido, haciendo participe al publico de la resolución de este complicado asunto, donde las cosas extrañas se suceden entre las más cotidianas y donde lo paranormal consigue ser tan normal que no sabes realmente donde esta la linea que lo separa, creando esa inquietud constante en el espectador hasta dar finalmente con la clave, un final tan ESPECIAL como bonito, conmovedor a la par que espectacular, una joyita que se va descubriendo capa a capa hasta finalmente mostrar todo su esplendor, convirtiéndola en lo más estimulante y desgraciadamente olvidado de este año. Es su más sincera y cercana cinta del que podría este año triunfar de manera doble, no con esta que solo triunfará entre el público que la verá sino con su otra obra pendiente de estreno Loving, una de las fuertes de este año. Sin duda este es el año de Nichols y uno de los directores a seguir, madurando en cada film y haciéndolo más cercano y consumible para todos los públicos, algo que antes resultaba complicado de racionalizar en sus cintas, alejando al público en genral, baja un peldaño en sus ambiociones personales para que entres en su cine de manera amable y cercana.
En lo interpretativo, sin duda el niño capta toda la atención, su papel es tan especial e íntimo que cautiva desde el primer momento, provocando a la vez algo de rechazo, su comportamiento es tan extraño y su apariencia tan normal que la contradicción aparece dejando paso a la fascinación poco a poco tras ir descubriendo el por qué de muchas cosas de las que estan pasando. La replica la da perféctamente Shannon haciendo de padre protector pero también tan contradictorio que esa misma protección se convierte en máximo riesgo en muchas ocasiones, descolocándonos con una especial sutileza para luego descifrar todos esos misteriosos y extraños comportamientos tanto de él como de la madre, Dunst, más que correcta, como en ella es habitual y un Edgerton que no consigue destacar mucho pero es un complemento interesante para completar este complicado puzzle que acaba por resultar de lo más ensoñador.
La música a piano en un contínuo tema de búsqueda es otro de los puntos fuertes junto a la fotografía, un habitual ya en su filmografía consiguiendo transportar la magia del mejor Spielberg con una luminosidad necesaria junto a una oscura, turbia y densa atmósfera al más puro estilo Carpenter, que mucho dista de la famosa serie de este verano que todos tenemos en mente. Esto si que es un HOMENAJE. No os la perdáis porque disfrutaréis con este bocado de realidad y fantasía.
Existe la cuadratura del círculo pero la del triángulo hasta entonces no y es cuando el triángulo se vuelve cuadrado que los deseos pasan a ser descontrolados, Closer, es una treatralización de una sociedad que cada vez resulta más actual. Su estilo en los diálogos es perfecto, porque vemos secuencias y montaje detrás en la cinta sino creeríamos que estamos dentro de un teatro viendo esta obra del siglo XXI que afecta a lo más básico, al instinto de amar y ser amado, con todo lo que ello conlleva, celos, infidelidades, rupturas y decepción. Tiene todo los elementos de una tragicomedia pero moderna donde las risas y los llantos se mezclan sin ningún tipo de pudor, ahora ríes, luego lloras... Cuatro personajes atractivos a más no poder, juegan al divertido juego del amor, dejándose seducir y siendo seducidos, irresistible no participar, imposible apartar la mirada, el deseo fluye entre ellos a la vez que el desencanto y las ganas de salir de las relaciones convencionales, asentadas y al mismo tiempo agotadas. Cuatro bellos rostros que se dejan atrapar unos a otros estableciendo una red de autodestrucción que dinamitará todo lo que más ansiamos, el amor o deseo, corroyendolo todo como cal viva por unos enfermizos celos, fundados hay que decir, pero incapaces de aceptar que la vida cambia, y que lo que hoy es correcto, mañana puedes toparte con la perfección y así sucesívamente. El humano esta lleno de imperfecciones y frustraciones descargándolas en los demás, llenándolo todo de basura sentimental que afectará a nuestras futuras o presentes relaciones, nunca sabremos que queremos, cuando das un paso que tan ansias, deseas poco más tarde volver atrás y recuperar lo perdido, nacimos ya con ese malvado don.
Nichols desnuda el alma de estos personajes despojándolos de todo, dejando sus pasiones al descubierto para que todos las veamos sin ningún pudor, su estilo es perfecto, puesto que al ser una obra de teatro, logra trasladar ese estilo narrativo de manera sublime y todo un especialista en seducción como ya demostró en una de sus más recordadas y celebres cintas El Graduado (1967). Su trabajo fue reconocido en los Globos de Oro con una nominación ya en el final de su carrera cosa que los Oscar no lo hicieron. Los diálogos son tan incisivos e hirientes que resultan ser todo un espectáculo gratificante en el que ves como se destruyen los cuatro y donde unos toman las riendas para después perderlas y tomarlas los otros, es un placer muy culpable del que todos alguna vez hemos sido participes pero es siempre mejor verlo como espectador que como protagonista.
Los cuatro actorazos son una delicia tanto visual como interpretativamente, para mi siempre lo fue y ahora sigue siéndolo tras este 2º revisionado Julia Roberts, su mejor papel y su serena belleza están en su punto más álgido, nuca estuvo tan bella. Portman, la más joven, cuyo rostro hipnotiza la cámara estuvo cerca de acariciar el Oscar pero el destino le guardaría lo que si es su mejor papel en Cisne Negro, consiguiendolo. Owen, quizás el personaje mas tosco y más desagradable pero acabas empatizando con él dando otra brutal interpretación que le valió la nominación al Oscar al igual que Portman perdiendo ambos contra Morgan Freeman en Million Dollar Baby y Catte Blanchet por El Aviador respectívamente . Y por ultimo el más lánguido pero perfecto en su papel Law, jugando al despiste y el artífice intelectual de todo este embrolló aunque su debilidad es tan visible como su fuerte coraza.
En su día, 2004, la cinta resultó ser demasiado directa, una bofetada en la cara, quizás porque nadie quería reconocerse en estos personajes pero pasados 12 años la cinta es tan actual que parece escrita hoy, y también lo suficientemente adultos para aceptar esa realidad, vista en infinidad de ocasiones en amigos, familiares, conocidos, o incluso uno mismo. Si American Beauty, también teatral, fue y es la degradación de una sociedad caduca, Closer lo es y quedará para los restos como la degradación de las relaciones personales de este nuevo siglo y seguiremos sin aprender, bien quedándonos solos para el resto de nuestra existencia o en pareja, aquella que es cómoda pero que nunca deseamos como la que dejamos escapar. Su inicio y su final son tan bellos como tristes tanto por su realización a cámara lenta con una bellísima Portman caminado entre la multitud pero de distinta forma en ambas, tanto física como mental, todo ello acompañado por la melancolía de Damien Rice en lo que para mi es la mejor canción romántica que existe "The Blower´s Daughter", cuando la escuches nunca desaparecerá de tu cabeza para bien o para mal, liberándote de lo pesado o trayéndote recuerdos de lo pasado...
Y aunque este final es el perfecto tanto cinematográfico como musicalmente hablando no puedo dejar la ocasión de poner otro de mis temas favoritos que aparece en la escena más dura de la cinta en el club donde trabaja Portman y Owen va como cliente, sonando por detrás esta melodía de los Smiths, un grupo imprescindible para el que no lo conozca.
Adelanto mi 2ª parte de este especial debido a los acontecimientos, ya que justo hoy uno de nuestros protagonistas cumpliría, el 5 de Septiembre, 70 años, su majestad Freddie Mercury, así que qué mejor homenaje que comenzar esta 2ª parte que ya tenía maquetada con ellos, The Queen...y a seguir disfrutando de la gran música de estos 3 que hoy conforman el final de este especial. Ahh y gracias por los elogios recibidos por la 1ª parte, sin vosotros, no soy nadie...
THE QUEEN
1. FLASH GORDON (1980)
La cinta es un imprescindible ochentero que fascinó a muchas generaciones, siendo la gran aventura fantástica del cómic llevada a la gran pantalla, pese a sus fallos, sigue siendo un placer culpable y más su BSO que obtuvo una nominación para él mismo, Freddie Mercury, viéndose derrotado con el todo poderoso coloso de la música John Williams por El Imperio Contraataca.
El tema principal es todo un clásico del cine y de la banda inglesa que sigue tan fresco como hace 35 años.
2. LA REVANCHA DE LOS NOVATOS (1984)
Aunque la canción que se incluye en esta típica película sobre adolescentes universitarios de la época fue lanzada por el grupo en 1977, puede que sea de las primeras que emplearía música del grupo para formar parte de su BSO. El tema es el más que conocido y mil veces utilizado para las celebraciones deportivas, al igual que aquí, el "We Are The Champions", compuesto por Freddie que alcanzó los primeros puestos de las listas más famosas del momento como el Billboard o el Singles Chart. (suena casi al final)
3. ÁGUILA DE ACERO (1986)
A nivel cinematográfico nada que decir más que es el estilo de película a rebufo del éxito de Top Gun, pero tiene el valor de poder escuchar en su BSO un tema del año anterior e incluido en lo que para mi es su mejor disco "A Kind of Magic".
Al inicio del tema se puede escuchar la voz distorsionada de Freddie y que tienen un sentido ya que a velocidad normal se escucha la frase: "God works in a mysteriuos ways...mysterious ways".
4. LOS INMORTALES (1986)
Si una película es un icono de la banda a nivel musical es esta ya que su LP "A Kind of Magic" estaba compuesto para dicho film a excepción de la anterior y "Pain is so clouse to pleasure". En el álbum, el tema principal, está compuesto por Brian May, el cual canta la 1ª estrofa del tema, pero en el film es Freddie quién lo sustituye y la canta íntegramente siendo única.
La cinta es otro clásico de culto de los 80s de aventuras y fantástico y el tema un perfecto himno romántico en toda regla.
5. WAYNE´S WORLD (1992)
La película en sí es una chorrada que en los 90s se convirtió en un exitazo por sus personajes salidos del programa estrella cómico de la TV americana, el mítico Saturday Night Live, siendo Mike Myers uno de ellos dos. Simplemente por rescatar aunque a modo de parodia este excelente tema, sí no el mejor de toda la carrera del grupo poco le falta, vale la pena incluirlo, "Bohemian Rhapsody", aunque el tema sea mucho más antiguo, de 1975.
DAVID BOWIE
1. DENTRO DEL LABERINTO (1986)
Una de las cintas que más cariño le tengo de esta época y que me sigue pareciendo igual de mágica que en su día. Es un prodigio ver actuar e interpretar al duque que perdimos este año, en su mejor papel junto al de Feliz Navidad, Mr. Lawrence, el de Rey Jareth, o descubrir a una jovencísima y bellísima Jennifer Connelly o la maestría de su director Jim Heson creador de las marionetas que también forman parte de la infancia de muchos.
Imposible destacar un tema solo, así que esta vez merece la pena escuchar el "Magic Dance" por lo divertido y el nostálgico y romántico "As the world falls down".
2. SEVEN (1995) Ambos tienen el honor de aparecer juntos tanto Fincher por utilizar a Bowie para cerrar los títulos de crédito de otra película de culto como es esta y Bowie por formar parte de ella con su tema que ya viendo su videoclip, encaja perféctamente en el mundo fincheriano de la película. El tema también es de 1995 y era un clásico en los conciertos del desaparecido cantante londinense de ojos diferentes.
3. C.R.A.Z.Y. (2005) La película de Vallée es un canto de libertad generacional imprescindible, rodado con generosa agilidad y plagado de grandes temas tanto franceses como los del inglés Bowie, al que nuestro protagonista adora e incluso imita. Todo un placer para los sentidos escuchar una de mis canciones favoritas en este film, "Space Oddity", de otro mundo...
4. MARTE (2015) Terminamos con el último tributo antes de su muerte que nos regaló el maestro Scott en su aclamada y polémica cinta, donde Dammon ejerce de un verdadero "Starman", canción que se emplea con especial gusto aquí, siendo otra de mis favoritas.
THE DOORS
1. APOCALYPSE NOW (1979)
Otro de mis favoritos, The Doors y una obra maestra de Coppola sobre Vietnam, quién no recuerda este tema y lo asocia diréctamente con el film. Son dos obras magnas que se juntaron para el placer de los que amamos tanto el Cine como la Música, la mezcla perfecta...
"The End" escrita por Jim Morrison, la compusó en principio para explicar su ruptura con su novia María Werbelow en 1967 pero inevitblemente se asocia a cuálquier tipo de despedida, guardando en la retina las imagines del genio de Coppola sobre la Guerra de Vietnam, demoledora.
2. THE DOORS (1991) Otro genio de Vietnam, no tanto como Coppola pero si participó en dicha Guerra, en concreto en el 2º pelotón, compañia B del tercer batallón y que luego plasmaría tan bien en su oscarizada Platoon (1986). Bueno pues, él fue el encargado de llevar a la pantalla el biopic de este gran músico, Jim Morrison, que se incluye en el tristemente famoso Club del 27 (Hendrix, Joplin, Cobain, Winehouse) muriendo todos a esa edad. Aquí un fragmento del film con otro de sus temas más conocidos y calientes "Light my fire", provocando un escandalo en el conocidísimo programa de Ed Sullivan Show.
Muchos son los cantantes o rockeros que se han visto seducidos por el gran escaparate que fue y sigue siendo la pantalla de cine como promoción de sus carreras o simplemente por el mero hecho de explorar otros cauces que no fueran los habituales, dando el Cine un gran juego para esas inquietudes a las que muchos no pudieron resistirse. Como nombrarlos a todos sería casi interminable empezaremos con aquellos que a parte de ser los mejores en su ámbito, también consiguieron destacar tanto o más en el Cine abriéndose un hueco en este mundo y que ahora seguimos recordando gracias a las magníficas melodías que en su día compusieron para formar parte de la Historia del Cine también. Y a la vez, es una buena forma para repasar algunos títulos de los 80s que igual pasaron desapercibidos o están algo olvidados. Disfrutadlo...
MARK KNOPFLER
1. LA PRINCESA PROMETIDA (1987) La película es un clásico de aventuras que forma parte ya de toda una generación, poco más que decir sobre ella. Mark compuso toda la BSO y este tema "Storybook Love" cantado a dúo con el desaparecido Willy DeVille estuvo nominado a los Oscar perdiendo frente al más que conocido "The Time of My Life" de Dirty Dancing.
2. UN TIPO GENIAL (1983)
Mi favorita y la que mejor recoge el estilo de la banda Dire Straits, un tema tan sentido que es imposible no emocionarse. La película británica consiguió el BAFTA al mejor director y 6 nominaciones más.
Destaca por su gran fotografía y paisajes locales además de ser una de las últimas apariciones en cine del gran Burt Lancaster, recibiendo nominación como secundario y perdiendo frente a Denholm Elliot por Entre Pillos Anda el Juego. Al igual que Knopfler perdería frente a la magnífica BSO de Ryuichi Sakamoto por Feliz Navidad, Mr. Lawrence, donde Bowie era protagonista.
3. ÚLTIMA SALIDA, BROOKLYN (1989)
Aunque es una producción alemana, relata los duros ambientes marginales y violentos del barrio de Brooklyn en los 50s. Su protagonista comenzaba a despuntar, Jennifer Jason Leigh, premiada a mejor secundaria por el Circulo de críticos de Nueva York. La BSO de Knopfler y en concreto este tema son de una gran sensibilidad y melancolía propias de los grandes maestros de la música clásica.
4. CAL (1984)
Este no tan conocido film recoge en su BSO todo su ADN y sus raíces escocesas, mostrando perféctamente una melodía nostálgica con sonidos celtas muy irish que intenta dulcificar el duro tema que trata, IRA y terrorismo. Encontramos para bien en esta cinta a la genial y joven Helen Mirren que no solo consiguió un BAFTA por su interpretación sino que también el de Mejor Actriz en el Festival de Cannes.
5. LA CORTINA DE HUMO (1997)
Proyecto ambicioso, posiblemente el que más en la carrera del guitarrista y compositor, pesos pesados como Barry Levinson (Rain Man) a la dirección y el duelo interpretativo más esperado hasta entonces Hoffman y De Niro, solo consiguiendo la nominación el primero y el guión, sobre las artimañas para esconder escándalos políticos, muy en boga por aquel entonces "Caso Lewinsky", contratando a un productor de Hollywood para desviar la atención.
6. ALTAMIRA (2016) Su último trabajo, y yo que pensé que estaría retirado, vuelve con esta coproducción inglesa-española con el director de Carros de Fuego y Antonio Banderas al frente, siendo posíblemente la BSO lo mejor de la cinta. El tema sigue siendo marca Knopfler pero añadiendo esos toques patrios que proporcionan la guitarra española.
PETER GABRIEL
1. BIRDY (1984)
Gabriel utiliza muchos sonidos psicodélicos y étnicos en sus composiciones y aquí queda demostrado en este interesante drama de Alan Parker algo olvidado sobre las secuelas de la Guerra de Vietnam en los jóvenes de aquella generación, un canto de libertad y locura a partes iguales.
2. GRITA LIBERTAD (1987)
Excelente biopic de Richard Attemborough (Gandhi) sobre la figura del activista negro antiapartheid, Stephen Biko, interpretado por un gran Denzel Washington dando la replica Kevin Kline como el periodista liberal que comienza a seguirle. La BSO en este caso no es de Gabriel pero si que se utilizó este tema homónimo para recalcar la figura de este importante personaje. En cambio, otra canción "Cry Freedom" si consiguió la nominación al igual que Washington que perdió en la categoría de secundario frente al "Intocable" Sean Connery.
3. LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988)
De la mano de un genio como Scorsese, Gabriel llega a componer una BSO tan distinta como fascinante, una mezcla perfecta que nadie diría que podría encajar, unos sonidos bastante modernos dentro de una historia tan épica como la de Jesucristo. No tengo más que decir, solo escuchar...
La BSO consiguió nominación en los Globos de Oro al igual que Hersey como secundaria, perdiendo frente a Maurice Jarre en Gorilas en la Niebla y Weaver en Armas de Mujer respectívamente.
MIKE OLDFIELD
1. EL EXORCISTA (1973)
El Tubular Bells, que es lo que emplea como instrumento para hacer estos increibles sonidos, de Oldfield es todo un Hito en la Música, siendo uno de los discos más vendidos y aclamados de la Historia, ya que solo en sus primeros años vendió 16 millones de copias, consolidando la carrera de este genial músico. Teniendo bastante culpa de esto la inclusión del tema en la película de Friedkin que también fue y es un hito en el cine de terror, convirtiendo el tema en mucho más popular.
2. LOS GRITOS DEL SILENCIO (1984)
Aquí si que firma Oldfield la BSO completa dándonos para mi la mejor de sus composiciones, con esos ritmos exóticos y metálicos que evocan el precioso paisaje donde ocurren estos terribles hechos destapados por un periodista de The New York Times en Camboya en 1972. La película es de Roland Joffé (La Misión) y fue una de las mejores de su año, consiguiendo entre otros 3 Oscars y 7 nominaciones en las que no figuró Oldfield injústamente y 8 premios BAFTA con 13 nominaciones, perdiendo contra el maestro Morricone en Erase una vez América que justamente trabajó con Joffé en La Misión creando otra maravilla de BSO.
Fue el
primer trabajo “serio” de De Niro en
el 2013 después de su magnífico regreso por todo lo alto, nominación incluida, con
su perfecto trabajo en la entrañable y alocada El Lado Bueno de las Cosas de Russell, que si no hubiese sido por el Dr. Schultz y su personajazo en la de Tarantino, de justicia sería que De
Niro recibiera su 3er Oscar, merecido.
Luego llegarían La Gran Revancha con otro peso
pesado Stallone, el pastiche La
Gran Boda junto a Diane Keaton, Plan en Las Vegas con Douglas, Freeman y Kline, Malavita de Besson con la Pfeiffer
y Tommy Lee Jones (todas bastante
olvidables) para rematar otra vez con Russell
y su “estafa” americana, donde si da
otro recital interpretativo pese a lo breve de su papel, es de lo mejor de la cinta junto a Amy Adams.
La
película es un tour de force entre él y Travolta,
independientemente de lo que nos cuente, ya que la historia es bastante floja y
previsible, en la que sin apenas planteárnoslo, sabremos quién saldrá vencedor ante
esta afrenta. Además verla en V.O.S. es todo un puntazo ya que Travolta con su ridículo y abetunado pelo,
da al personaje un especial acento serbio-americano ofreciendo un bochornoso
espectáculo, pero que sin duda es un aliciente más para comprobar el gran actor
que es De Niro, en plena forma y con
ganas de seguir dando guerra ya que con solo respirar nos da a todos una lección.
Su guión muy
regulero parece sacado de la animada
fabrica ACME para contarnos algo más serio, una venganza que arrastra desde la Guerra de los Balcanes de los 90 pero que no tiene mucho sentido, exagerándolo todo mucho aunque nos va a
dar igual ya que se pasa un buen rato viendo a estos dos como el perro y el gato. Eso si, una excelente fotografía paisajística
también ayuda a resaltar los aspectos más dramáticos a los que se enfrentan
estos dos únicos personajes.
Los
gestos de De Niro, a veces
sobreactuados, son marca de la casa pero ver tantos minutos a este monstruo en
pantalla es una gozada, lo de Travolta ya es secundario pero le aporta el
aspecto cómico que no debería de tener pero necesario para poder soportarla.
Podría decirse que se convierte en un placer culpable.
Si a esto
le sumamos el director no se si puede que sea un punto a favor o más bien en
contra ya que se trata del director del Daredevil de Affleck o del Motorista
Fantasma de Cage, un añadido de ironía más para verla. No esperéis un
peliculón porque no lo es, simplemente el disfrute de ver a estos dos dándose
por todos los lados independientemente del trasfondo de la historia y la pura
venganza.
Bueno y
si con esta no llego a convenceros, me siento en la obligación de recomendaros
otra de similar factura pero de más calidad, la australiana El Ultimo Cazador (2011) con WilliamDafoe y Sam Neil, magníficos planos naturales y
una trama que avanza poco a poco pero que sorprende y atrapa. Con un ritmo más pausado pero con una gran historia y unos personajes mejor definidos junto a grandes interpretaciones. Nota: 7,5 Buena.
En Rotten
tiene un penoso 11% con tan solo 2 buenas críticas frente a 17 y en IMDb
aprueba justita con un 5,4 pero pese a todo esto es una película que hay que
ver y luego ya opinar. Yo particularmente estoy más cerca
de IMDb y le doy un 5,5 casi 6 pero solo por ver al “Toro” en acción vale la pena.
Y para terminar con mejor sabor de boca, otro
grande a la altura de De Niro pero musicalmente,
Johnny Cash y la canción que suena
constantemente en la cabaña "Don´t Take Your Guns To Town", retiro del solitario y abandonado ex militar americano
que no parará de tararearla, haciéndosela propia.
RECOMENDACIÓN: Verla sin más pretensión que pasar un rato.
